Matéria traduzida e adaptada do inglês, originalmente publicada pela matriz americana do Epoch Times
Contra uma vidraça pitoresca, uma jovem está sentada em seu estúdio desenhando uma flor de tulipa em um desenho. O quadro foi feito pela artista francesa Louise Adéone Drölling, que acompanhou o pai e o irmão na carreira artística.
Quando pensamos nas mulheres artistas do início da Europa moderna, dizem-nos frequentemente que elas eram reprimidas pelos seus homólogos masculinos e não tinham lugar na comunidade artística. Mas, na verdade, a partir do Renascimento, as mulheres puderam expressar a sua criatividade em vários tipos de esferas artísticas, e é precisamente o trabalho diversificado destas mulheres que a exposição “Making Her Mark” se propõe celebrar.
Viajando este ano do Museu de Arte de Baltimore para a Galeria de Arte de Ontário, em Toronto, a exposição cobre o período aproximadamente entre 1400 e 1800 na Europa e reúne obras de um amplo espectro de mídias: cerâmica, móveis, têxteis, gravura e , claro, desenho e pintura.
Estas duas últimas categorias foram durante muito tempo consideradas trabalhos de artistas profissionais do sexo masculino, que expressaram o seu génio criativo em trabalhos encomendados, enquanto as mulheres eram geralmente consideradas como tendo perseguido o desenho e a aguarela para seu próprio prazer. Mas algumas, como Drölling, puderam receber uma educação artística altamente sofisticada que lhes permitiu transmitir uma vasta gama de sentimentos sobre como era ser mulher na sociedade europeia.
Na pintura de Drölling, a jovem está sentada, bem vestida, perto de uma janela, pintando não em uma oficina suja, mas no andar de cima de uma sala de teto alto, mobiliada com um violão, um busto clássico e uma caixa de lindamente encadernada. livros. Um portfólio com páginas de desenhos fica ao lado dela e significa seu status como uma artista prolífica e entusiasta.
Para Drölling, pode ser uma imagem ideal da infância – educada, artística e de lazer – que contrasta com as realidades laboriosas e competitivas do mundo da arte profissional. As habilidades de Drölling foram claramente reconhecidas: a pintura lhe rendeu uma medalha de ouro no Salão de 1824 e foi imediatamente adquirida para a prestigiada coleção de um aristocrata francês.
A estrela principal da arte
Ao longo do início do período moderno, algumas mulheres pintoras puderam de fato praticar a sua arte profissionalmente, especialmente nos principais centros de Itália e Holanda. Judith Leyster (1609–1660) foi uma delas.
Aos 19 anos, Leyster já havia sido elogiada por sua “boa e perspicaz visão” e, em 1633, foi admitida na guilda dos pintores de Haarlem. Mais tarde celebrada como “a verdadeira estrela principal da arte”, Leyster fez este autorretrato como uma afirmação de sua habilidade artística.
Ela olha para o espectador, relaxada e confiante, com o braço apoiado de forma assertiva no encosto da cadeira. Segurando um punhado de pincéis e uma paleta de cores, ela parece momentaneamente interrompida em seu trabalho inacabado, que faz referência a um violinista de sua bem recebida pintura recente “Merry Company”.
Sua rica vestimenta de renda e seda, entretanto, é completamente imprópria para o trabalho em oficina, mas sugere a riqueza e o status social trazidos por seu sucesso profissional.
Damas de Renda
A renda intrincada que Leyster usa com orgulho revela outro aspecto da arte feminina. A confecção de rendas, uma arte complexa do fio, era amplamente praticada por mulheres em conventos e instituições de caridade e, durante o seu apogeu, a renda era um dos têxteis mais valiosos e elegantes do início da Europa moderna.
Em 1665, os aristocratas franceses tinham gasto tanto em rendas italianas e flamengas (belgas) de qualidade que o rei Luís XIV teve de aprovar um decreto proibindo a sua importação, ao mesmo tempo que estabelecia fábricas nacionais em toda a França, atraindo especialistas estrangeiros para treinar mulheres locais. A República de Veneza viu isso como espionagem e decretou que as rendeiras flagradas trabalhando no exterior seriam presas ou executadas.
Com o apoio real, no entanto, os artesãos franceses realizaram trabalhos incrivelmente finos em grande escala, desenvolvendo o seu próprio estilo que incorporava motivos em miniatura em desenhos simétricos, conhecidos como “ point de France ”. Este amplo babado de mobiliário produzido no final do século XVII apresenta motivos régios que teriam custado horas, senão dias, de trabalho de inúmeras mãos. Feitas pelos pobres para os ricos, consideradas virtuosas de fazer, mas vãs de usar, rendas como esta revelam as complexas forças socioeconômicas em jogo na história europeia, ao mesmo tempo que mostram a beleza forjada pelo engenhoso trabalho manual de pessoas humildes, mulheres anônimas.
“Primeiro pintor de porcelana do rei”
Em outras oficinas, como as fábricas de porcelana, algumas artesãs deixaram de fato seus nomes. Eles foram empregados em cada etapa da produção, tanto em estúdios familiares quanto em empresas globais, com funções que iam desde a preparação da argila até a modelagem de formas, decoração de superfícies e operação de fábricas.
Marie-Victoire Jaquotot (1772-1855), uma renomada retratista em porcelana, pintou o requintado “Serviço de Chá de Mulheres Famosas” na manufatura de Sèvres entre 1811 e 1812. Originalmente projetado para Josephine Bonaparte, Imperatriz da França de Napoleão, Jaquotot apresentava 16 figuras proeminentes mulheres da história, incluindo governantes como Catarina, a Grande da Rússia e Maria Teresa da Áustria, bem como luminares culturais como Joana d’Arc e Madame de Sévigné.
Em 1816, com a restauração da monarquia Bourbon, Jaquotot ganhou o título de “Primeira Pintora de Porcelana do Rei”, destacando-se entre as muitas mulheres artistas que ganharam encomendas, vendas, títulos e outras formas de reconhecimento da nova administração.
Designer renomado da Grã-Bretanha
Tal como a cerâmica, a produção de tecidos também exigia múltiplas etapas nas quais as mulheres desempenhavam um papel significativo. Embora a maioria estivesse envolvida no trabalho demorado e fisicamente intenso da tecelagem, alguns ganharam destaque como designers e líderes da indústria. Em meados do século XVIII, Anna Maria Garthwaite (1688–1763) tornou-se uma das designers de seda mais renomadas e prolíficas da Grã-Bretanha, produzindo mais de mil padrões que foram transformados em têxteis.
Seu estilo é caracterizado por vinhas elegantemente curvas com motivos de flores de todo o mundo, incluindo magnólias, palmeiras, babosas, orquídeas e hibiscos. Tal como os espécimes naturais que os inspiraram, estes têxteis também atravessaram os oceanos, sendo transportados das suas oficinas no leste de Londres para portos tão próximos de casa como Dublin e até Nova Iorque e Filadélfia.
Este vestido, atualmente preservado na Colonial Williamsburg, foi feito por volta da Revolução Americana com as lampas de seda que Garthwaite desenhou entre 1726 e 1728. O tecido foi transmitido a uma família colonial por cerca de 50 anos e reutilizado por três gerações antes de ser montado em este vestido de noiva.
Com manuscritos de freiras de clausura, gravuras de estudiosas e pinturas de Sofonisba Anguissola, Angelica Kauffman e Élisabeth Vigée-Lebrun, a exposição adota uma definição ampla de “mulher artista” e apresenta uma diversidade de materiais muito maior do que uma breve resenha pode dar-se ao luxo de contar. “Making Her Mark” proporciona uma imagem fascinante e holística do papel das mulheres criativas na sociedade europeia moderna, e por isso vale a pena ver pessoalmente.
“Making Her Mark: A History of Women Artists in Europe, 1400–1800” exibido no Baltimore Museum of Art de 1º de outubro de 2023 a 7 de janeiro de 2024 e estará em exibição na Art Gallery of Ontario, Toronto, de 27 de março a 1º de julho de 2024 . Para saber mais, visite o site ago.ca.
